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“刘庆和:同尘”

  • 展览海报
  • 《please!》 刘庆和 250×150cm 纸本水墨 2018年
  • 《粉墨——台前》 刘庆和 2018年 纸本水墨
  • 《粉墨——效果图之一》 刘庆和 2018年
  • 《粉墨——效果图之二》 刘庆和 2018年
  • 《粉墨——效果图之三》 刘庆和 2018年
  • 《粉墨——效果图之四》 刘庆和 2018年
  • 《风袭》 刘庆和 150×230cm 2018 纸本水墨年
  • 《红墙》 刘庆和 150×230cm 纸本水墨 2018年
  • 《灼日》 刘庆和 300×150cm 纸本水墨 2017年
  • 《墨》 刘庆和 452×117cm 纸本水墨 2018年
展览时间:
2018-06-15 - 2018-11-15
开幕时间:
2018-06-15 16:30
展览城市:
湖北 - 武汉
展览机构:
合美术馆
展览地址:
武汉市洪山区野芷湖西路16号
策 展 人:
鲁虹
主办单位:
合美术馆
参展人员:
刘庆和
展览备注:
出品人:黄立平
展览执行:仇海波 王宏州
平面设计:鲁杨 王玮琪

展览介绍

关于“同”尘

刘庆和

对我来说,作品成型和文字成文一样,都是一个随性发生的过程,有时觉得才思泉涌,有时觉得语塞难言,待到作品完成时所表达的主题与最初的意向也许已经偏差了。主题思路不明确的好处是随时可以产生新的“主题”,这个过程中生发出来的新的枝节可以为我的“主题”供给养分,牵引我的思考,使得展览的最终呈现带有一定程度的随机性和不确定性。人生过半,“迷失”的状态本该早成过去,没想到现阶段还很受用,这让我在年龄上还像是没有跨过“不惑”这道坎。一件事情想做又懒得做,最后不得不做,做了又觉得本该做得更好,这其实更像我的样子。

“同尘”展览准备的时间周期比较长,是我一大段时间里内心情绪不断堆积的结果,这个“慢”过程实际上也暗合了“同尘”的意味。敏感滋长出来的不利情绪,被生活一再地麻木着,神情从身体里抽离,留下的只是个空壳,随即,作品解读也就变成了台词背书。我总是试图打破一直以来的惯性,所以就多了纠结和迟疑,但究竟有没有必要以所谓新的内容覆盖曾经熟悉的经验,又成了新的疑问。那是在作品完成的一刹那出现的挫败感,一时间倦意袭来,继而有了逃离的念头儿。而好的状态又是什么呢,未曾实现的都是好的期待吗?一切都是未知,充满变数。

现实生活中的时间线索往往是破碎的,信息、资源被打散重组,以求一个最优方案,我的状态很多时候就是这样,这次展览我也是把思路里零散的碎片逐渐捏合在一起,呈现了几个不同方向的感受,原本轻慢犹豫的心态却逐渐沉重起来,心仿佛也慢热了。在“同尘”的路上,生活越来越像一个旋转舞台,需要精心设置布景、安排灯光道具,表演也越来越戏剧套路,各种角色、扮相“粉墨”登场,生活的假象让我们模糊了焦点,辨不清来路。大家都主动或被动地扮演好各自的角色,但序幕拉开也终将落幕。“粉墨”过后,裹挟前行的每一个个体,呈现给我的却大都是灰色,“灰%”这个分主题也由此而来。有科学研究表明,到达一定深度的海底世界是无色的,不同于一望无际的蔚蓝海面泛起浪涛,海底深处是没有颜色,没有标识而静止的,就像我们空洞的生存状态。现实生活中,没了颜色会让我们失去辨别力,没有形色对比,你我之间没有参照,一片混沌。逐渐地,灰色成了我们的保护色、安全色。即使再多修辞粉饰、富丽辉煌的幻景都奈何不了时间的褪色,终将成为沉默的灰色,化为虚无。我时常忍不住回望过去,希望来路能帮助我反思当下,“白话”就是回望到那个需要解读、添加注脚的年代,那个不太情愿长大但已经变老的少年,随着时间走到了今天,显现出了那个时代特有的止步或倒行的消极姿态,与我现在所处的时代似有重叠也似有错落的现实。

定义作品的意义其实也是敏感的,留给别人或留给自己都是难题。就作品来说,在其生成的同时带出来的力量,所能产生的影响就已经说明了作品本身,好与坏都是在作品中感受到的,所以也就都是对的。凡是带有强烈责任感的创作意图,本身就可能在强调自我意识当中强制性宣泄自己、导引观众,这么说来,观众所持有的不同反应都将成为这个作品存在的见证。

刘庆和2018年4月写于北京T3艺术区

走进传统与走出传统

黄立平

在社会的变革转型中,人们对待传统的态度,本质上也就是对待未来的态度。中国传统文化如何实现创造性转化以面向未来——这是一个重要的时代命题。

在各种艺术形式和类型中,产生于改革开放后的“新水墨绘画”具有突出的代表性。不少评论家和艺术史研究者已经展开了深入的研究工作,近些年也举办了一些在国内外产生较大影响的群展。一批才华卓越的艺术家已涌现出来,其中的代表人物我首推刘庆和。

“新水墨绘画”的源头是中国画,简称“国画”,是我国传统造型艺术的主流,也是最具代表性的文化遗产之一,其历史悠久、题材多样、技法讲究,不仅是历代士大夫文人的精神寄托,明代之后也成为普通民众文化生活中的精彩部分。中国画不仅所用工具(笔墨纸砚,称为文房四宝)别具一格,而且精神意境和审美情趣底蕴深厚,在世界美术领域中自成体系。进一步解析可以发现,东西方艺术理论架构和评价系统也是非对称性的(即中国学者对于西方传统的了解要远比西方学者对中国传统的了解要多)。如果不经过系统的研习,并大体了解中国哲学思想的要义,就很难深刻理解“以形写神”的方法和画家追求“似与不似之间”特殊境界的奥妙。这正是西方人接受抽象表现主义绘画相对容易,而同质化理解、阅读中国水墨画往往云山雾罩、不得要领的原因。

显然,刘庆和先生在中央美院中国画系研习传统水墨绘画受到了系统的专业训练,是下过一番综合性功夫的(不是浅尝辄止的学习)。可以说他曾致力于走进这一传统经典的核心地带。

然而,当他实际走近这个主要由古人构建的神秘殿堂时,便似乎忽然意识到——文化环境的改变,使现代人无法真正拥有古人生活的关系场景和心境;也无法重现古人的那种人文灵光。模仿式继承只能望古人之项背,永远不可企及,更无从谈超越。因此,他开始用心谋求走出传统的可能性。

创新只能从走出传统开始。应该说,走进传统难,而走出传统更难。

我不想具体分析和评价刘庆和艺术思想演变的轨迹和他在水墨写生及表现技法方面所做的探索,只想通过这个展览所涉及的艺术创新发展问题提出三点看法:

第一,创新实质上是对体系化传统的反抗和摆脱。传统越厚重、越严密,摆脱就越艰难。相对于继承而言,创新更为可贵。第二,创新必须首先从观念的转变开始。只有观念转变了,我们看待世界的方式才会改变,也才能产生新的思想和新的创意。第三,艺术都是时代的。只有准确把握住时代(无论是过去时,还是现在进行时)的脉搏,倾听时代的声音,才能生动表现出时代的精神面貌,如此创造的艺术作品才具有时代的灵魂,也才具有动人的力量。

尽管刘庆和所采用的艺术媒介主要是水墨(也有部分雕塑、装置、板画形式作品),而他的关注焦点和创作题材都是现实都市生活环境中的各种现象和问题;他所表达的人物的内心世界与外显表情主要是现实生活场景中人的生活欲望、消费时尚以及迷茫、焦虑、惊恐和挣扎的精神状态。他所努力表达的人与社会关系的场景,集中体现了他对人的生命脆弱性的关照以及对亲情、友情、爱情价值的文化向往。当然,表达如此复杂的都市生活现实场景确非传统水墨形式之所长,正因为如此,逐步促成了刘庆和不拘泥于任何固有范式的独特艺术风格。

我不能确定刘庆和是不是一个文化的宿命论者。细心的观众可从展览中发现,他的不少作品中淡然流露出的忧郁感、无奈感和悲天悯人情愫都指向一个结论——观众从他的作品中能够看到的表达其实仅仅是他丰富思想历程的个别侧面。要想更深入地了解刘庆和的生活状态和艺术思想,不妨阅读一些他自己的文字表达。对于观念艺术的阅读和理解,恐怕不能缺少文字的提示和诠释。本次展览的标题——如尘——在很大程度上体现了刘庆和当下的人文心境——真切而超然,这仿佛是一种艺术观,却更像是一种世界观。

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(责任编辑:王芳)

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