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“逸韵意象”张导曦 徐晓华 周石峰中国画作品展

  • 展览海报
  • 《2008年·雪》 张导曦 165x165cm 2008年 纸本重彩画,矿物色、金属箔
  • 《秋枫》 张导曦 82x82cm 2019年 绸布伞重彩画,各种金属箔
  • 《鱼米江南》(局部1) 张导曦 150x450cm 2009-2010年 布本重彩画矿物色、金属箔
  • 《鱼米江南》(局部2) 张导曦 150x450cm 2009-2010年 布本重彩画矿物色、金属箔
  • 《冷月》 徐晓华 200x10cm 2019年 纸本水墨
  • 《暖阳》 徐晓华 200x100cm 2019年 纸本设色
  • 《听雨之二》 徐晓华 100x40cm 2019年 纸本设色
  • 《临朐沂山百丈泉下写生》 周石峰 41x32cm 2018年 白卡宣纸
  • 《罗马》 周石峰 18x29cm 2018年 白卡宣纸
  • 《米开朗基罗设计安杰利圣母堂》 周石峰 18x29cm 2018年 白卡宣纸
展览时间:
2019-07-10 - 2019-07-25
开幕时间:
2019-07-10 10:30
展览城市:
湖北 - 武汉
展览机构:
汤湖美术馆
展览地址:
蔡甸经济开发区沌口办事处兴华路1号沌口职工文化活动中心
策 展 人:
王心耀
学术主持:
刘茂平
主办单位:
汤湖美术馆
参展人员:
张导曦,徐晓华,周石峰

展览介绍

中国画始终存在着深刻的审美转化,需要通过图像的直观感受,使作者或观者间接返回到自身语境,从记忆中开显出一个具体的视觉世界,这条路径自然为“意境”的产生带来了空间。在中国画的审美过程中,观者藉由“意境”进入画境所展示的“幽微”之中,从而沉迷于生动的人物、祥瑞的花鸟、隐居的山水世界中。

中国画的图像之所以引发这种审美感受,源自其特殊的笔墨语言和表达方式,因此,“象外之象”与“味外之旨”所展现的文化意蕴才构成欣赏的独特视角。

张导曦虽然着意重彩“错彩镂金”的古典传统,但时刻保持着对“逸韵”的恋恋不舍,将题材、构图、色彩在材料上的表现力发挥得恰到好处。徐晓华始终在工笔与写意中寻找一个美妙的连接点,将其理想的花鸟世界描绘得宁静而淡雅,以“依旧”的心绪呈现出不同时空中浑然一体的秩序。周石峰的山水体现出的自然主义风格,在“境造”的过程中处于完全“无我”的状态中,并在丰富甚至神秘的图式中完成了理想的形塑。

三位艺术家在传统与现代的交汇处创造了属于自我的语言系统,他们在古典的世界中“卧游”和“神居”,又在现实处境里观照世界与自我,从而衍生出包含丰富历史图式和笔墨理想的奇妙转化,这种创作体验显然超脱了惯有的视觉意识活动范围,指向新的中国画美学场域,这无疑是他们共有的特质。

江汉大学设计学院院长

汤湖美术馆馆长

王心耀

2019年6月

各擅其能各美其美

刘茂平学术主持湖北美术学院副院长

平行个展已成为汤湖美术馆的特色品牌,这次三个展选择的是三位纸上艺术家张导曦、徐晓华、周石峰。他们都是艺术风格十分成熟的实力派艺术家,各有自己突出的艺术面貌和特色,自然给人以不同的审美感受,三位艺术家一同出场,可谓各擅其能,各美其美。

我们都知道,中国绘画传统源远流长,源流众多。从新石器时代的彩陶纹样、青铜时代的南北方岩画,到战国《龙凤人物图》,从秦宫殿遗址壁画,到汉代墓室壁画及画像石、画像砖,已蔚为大观。发展至隋唐,更是人物、山水、花鸟齐备。绘画材质由土木金石,到稀有的绢帛,直至纸张的发明,由五彩绚烂到水墨渲淡。最终发展成世界上独一无二的极其丰富的纸上水媒艺术传统。这种绘画类型,近代以来被统称为国画,当今仍在不断出彩出新,三位艺术家就是归于国画名下的艺术家,也是国画不断出新出彩的例证。

选择此三位艺术家一同举办展览,策展人是费了一番思量的。首先,他们三位虽然并不受国画分科的限制,也确有多种绘画题材的驾驭能力,但大抵有所侧重,张导曦主人物,徐晓华主花鸟,周石峰主山水。中国画分此三科,其中大有玄机。人物画表现的是人与人,注重的是社会生活;山水画观照的是自然,展现的是人与自然的关系;花鸟画注重的是个人心性,渲染的是心灵情感的流露。虽然都是美的创造,但切入的角度有所不同,正合真、善、美三个维度。以此观之,十八世纪康德的相关论述并不具有先验性,不过是人类实践经验的总结。代表了人类精神开掘的三个向度。

下面我们结合艺术家略作分析。

张导曦是展览中人物画家代表,虽然画家本人并不受题材的局限。回到中国绘画史,人物画最先成熟,并在唐代即达到高峰,但元明以来,山水渐成主流,中国优秀的人物画传统退出士大夫的视野。与此相对照,东土日本却保留并发展了中国人物画的传统并有所创新。或许正基于此,张导曦选择到日本接续传统。由此,将浓重华美的人物画艺术传统重新纳入我们的视野,使我们悟见“丹青”本源。

通过张导曦绚烂富丽的画面,我们看到张导曦的“能”:在于工笔重彩的材料特性展现及技术美的表达。其人物,哪怕是普通的海边渔女,也显出亮丽华美,其人物装扮,一概统一而和谐,隐含了人与人的默契和协作关系;而风景花鸟,更是斑驳华丽,尤其是擅长金银箔等金属材料的娴熟运用,形成错彩镂金的效果。其对颜色的研究和金属材料的使用,拓展了国画的材料空间,也创新了技法的使用。

张导曦成功地将我们的目光从逸笔草草的潇洒,回溯到中国古老人物画传统的谨严制作,展示了中国画工巧富丽的绮丽美。

徐晓华被视为花鸟画家,但以我的有限了解,他的画中没有出现过动物,他描绘的都是充满生机的植物花卉。或许是他笔下的植物,在他的生花妙笔赋予下,已经获得了真实的生命,而这真实的生命本自宁静安详,经不起动物的喧闹,这就是徐晓华绘画的特点了。他的画面沉静内敛、格调高雅,含蓄氤氲而又生机绚烂,欣欣向荣,哪怕冬、秋之景也有春天的性格。其用笔,不事勾勒,线在形中;其用墨,墨中含色,色墨浑然,以色胜墨,色彩沉着而亮丽,在草色的亮丽中又有些许苍凉沉郁之感。

他的画面艺术效果,是由他独特的技法决定的,他在坚持用墨的基础上,嫁接了水彩画的技法,以国画家特有的对境界美追求的敏感,创造性地将工笔技法与写意法完美结合,使情感和视觉氛围成功地融合,身体感觉和心灵感悟高度统一,达到了诗意表达和意境氛围同步呈现。

徐晓华以写意法画工笔,繁中有简,意涵丰富,是含蓄内敛之中和美。

在周石峰这里,他以丰富图像,表达了他对自然的理解,也表达了他的自然观。他自言:“我用如烟的笔墨写我胸中丘壑,是为了给人们提供更多的想象空间,使其精神能在这空幻深意的境界中漫游。”中国传统山水,历来讲究可居、可游,周石峰所言,似并无新意。但当我们看到大量的山水画家笔下的自然,只是可观的客观对象时,就知道重提可游的重要性了。而更重要的在于,他为了创制可游的山水,试图创造一种特有的图像模式——轻烟山水。所谓轻烟山水,是指其作品笼罩着一层淡淡轻烟,通过水墨展示出朦胧意境,其画淡若轻烟,其境空灵、纯净、典雅,给人以逍遥放旷之感,使人如置身高山云雾。根据著名美术史家巫鸿的研究,中国山水画的观念来源于神仙观念,云雾缭绕的仙山,正是神仙的居所,在那里,人超越自然的力量,身体超越束缚,得以自由云游,人的身心,人与自然真正合一,人向自然敞开,自然的奥秘也完全向人敞开。明白这一点,就解开了青烟山水的奥秘:寄兴烟霞、轻烟缥缈,原来飘忽的云烟:烟即是云,云即是烟,溪山清远,玄虚冥想,境由心造,得意忘象。这正是周石峰山水画如此主观,如此自由的必然。

在此自由的心境下,他尝试以浓厚、富于变化的墨色与明快纯净的色彩交融,将原来雅致的淡墨变得浓厚、瑰丽、丰富。在他笔下,山川并无固定色彩,或墨色苍润,或色当墨用,或色墨氤氲,一片苍茫。在此氛围中,自然即是人,人即是自然。

周石峰以一种独特的方式接续了传统,心造自然,创造了飘逸空灵之意韵美。

三位艺术家,在国画的名义下,各自耕耘,其最大的共同点是,突破传统笔墨的程式,善于借鉴兄弟艺术的优长,特别是适应代社会对视觉丰富性的需求,加大了对色彩的研究和运用,不仅丰富了国画的语言,也形成了自己的艺术特色。

当然,三个展的方式,更重要的是使艺术家自身的艺术面貌能够独立呈现。有一定的共性而又如此不同艺术家的作品在同一时空中展出,相互比较,相互对照,互相补充,互相支撑,互相阐发,形成独特的艺术语境,增强了展览的艺术张力,增加了展览的阐释空间。让观众从图像的角度重新审视和思考了人与人、人与自然、人的身体和心灵的关系,加深了对真善美的理解。展览也从一个侧面展现了中国画的艺术生态样貌,不仅使不了解中国画的观众领略了国画丰富性,也为熟悉中国画的观众提供了一个研究观察国画这个画种的视角和可能。

我想,到了这里,大家也一定明白了展览的主题——《逸韵意象》的含义了,所谓逸者,不拘前人法度,纵情恣意,随手而作,自由挥洒,无规矩之缚,又能符造化之功,不期然而然,无目的又合目的。虽“应手随意”,却“倏若造化”,其作品“宛若神巧”。三位艺术家正是这样,创造了独特的审美意象。

2019年5月26日于江夏藏龙岛

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(责任编辑:张鑫)

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