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“心灵路线”马丽亚·卡特丽娜·斯帕达绘画展 “丂 | Kǎo | 山 记”曹应斌绘画展

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展览时间:
2017-04-15 - 2017-08-13
开幕时间:
2017-04-15 15:00-18:00
展览城市:
河南 - 郑州
展览机构:
莫空间
展览地址:
郑州郑少高速新密西出口向南2公里处
策 展 人:
莫妮卡·德玛黛
参展人员:
曹应斌

展览介绍

马丽亚·卡特丽娜·斯帕达 : 我的绘画故事

文/马丽亚·卡特丽娜·斯帕达 Maria Caterina Spada

近视

我小时候很自由自在地在当时觉得很大很空阔的纸上画画,虽然实际上离我鼻子不远的那些纸张尺寸并不大,这就是为什么绘画使我一直感到很快乐的原因。这种面对广阔空间的感觉被一件平庸的小事所强化。那是我十岁的时候,一次中暑发高烧迫使我躺在床上,可能当时有了幻觉,我发现闭着眼也能感到自己的腿脚在近处和远处,高处和低处不同的地方出现,像一动不动的我想象的那样。过了很多年,当我开始去跳舞的时候,环绕着我周围强烈的音乐和狭窄空间,让我回忆起因近视而模糊的小世界。

包装纸

我当时很喜欢学习决定深入探讨艺术史,原因之一是在上个世纪八十年代的大学里,艺术系是不太大男子主义的。我开始用炭笔给自己的朋友们画肖像,在大幅的纸上画他们的大衣、外衣和鞋子,我每天都能看到的鞋子各有值得记叙的特点。后来我画了不少很大的土豆,因为它们造型独特,总是形态各异。我不涂颜色,只画黑色线条,我总是在大尺寸的白色包装纸上作画或构图,它很大而且有韧性,到处都能买到,而且一面光滑一面粗糙,这样你可以随机决定用你感兴趣的那一面。

舞台布景

大学一毕业,我不想干文职工作,想找一份类似手艺人的工作。我开始在波伦尼亚附近的丘陵上一家重要的场景制作室工作,在那儿呆了三年学习大幅制作。我用扫帚而不是画笔,用上公斤的颜料而不是筒装颜料作画。歌剧院的大型布景都平放在地上被钉在一个木制台上,我得在上面边走边画,那正是我的近视梦境。但是布景师完全投入的工作要求严格的时间限制和每日接触综合材料,这与即将做母亲的我格格不入,于是我选择去莱顿大学继续深造,然后到了拉文纳城教书。

绘画和着色

要想开始绘画这就需要材料和时间,假日、旅行、随手拿起的背包都是理想的条件。当我看到周围有令我感动的事物和有感觉的地方,就决定开始工作了。我一边画一边呼吸着周围的空气,我记录颜色、光线和气味,这些都有利于以后从容地完成画作。二十年来,在度假回家之前,我总是寄给朋友们一张我自己手绘的最漂亮的地方的彩色明信片,以此纪念。

袖珍小书

在九十年代末我开始在第一本小书上填满图画,为了记忆我和丈夫以及两个孩子去过的地方。这些图画定格了很多用于在学校教学的细节,学生们如果知道是你画的那些画,他们会更专注。我画过典型的菜单、博物馆里最漂亮的展品、一幅画的局部、一个海滩、一处风景,一所建筑,那些漂亮的地方让我感觉很幸运,能在实地欣赏它们,特别是在大海边。如果记不起在哪一年我们去过什么地方,我就翻阅我的小书。我总是先面对实物用黑色的墨水笔速写,然后有时间再用水彩着色,那是形象的日记。当我回家时,再把看到的事物变成具体的绘画感觉好极了,把我眼睛看到的形象精髓用具体的图画记录下来,在描述我的感受而添加正确的颜色时,有再次感动的快乐。

对近视的怀念

九年前,一个手术给了我几乎完好的视力。最初的几天我觉得如奇迹一般,因为当我称体重时能看到秤上的刻度,游泳时能看到海底的鱼,穿过卧室时,竟能清晰地看见闹钟上的数字!才知道自己原来的近视是多么严重。以前低头离纸张一掌远的距离,我也能看到最小的说明字体,现在却看不见了。当我想回到近视的时候,就用一个放大镜,才又找回置身于充满了有趣的局部的那种美好感觉,可惜却不如从前能看到那么多局部了,我变成一个正常的老花眼。

雕刻

我非常喜欢雕刻印制版画。金属笔尖留下的饱满,细腻痕迹很雅致,印刷机的吱吱声让人想起一艘船上缆绳的噪音。雕刻在制作中只能慢慢来,因此很放松但是需要腕部有力量。即使是一个印了很多张后的母板,我也继续把它保留在抽屉里,这样避免当我的一幅画被拿走以后我再也画不出原画的失落感。

2017 年 2 月

祁玉乐 翻译

马丽亚·卡特丽娜·斯帕达的神奇眼光

文/莫妮卡·德玛黛 Vigolo Vattaro

在波伦尼亚大学美术史和美术评论专业(D.A.M.S.)马丽亚 · 卡特丽娜是我们同学中最漂亮的女生。她人长得漂亮而且穿衣服的品味很高,她既时尚又古典,她眼睛很大很长使她的眼神显得更深沉并有一些女人特有的微妙的精明。但是一旦你在家里看到她,尤其是她刚刚起来的时候,没戴隐形眼镜,这时戴着厚厚的眼镜的她就像是另一个人,显得有点儿局促,她总是喜欢穿舒适宽松的休闲服。当她学习的时候脸贴着书离得很近,很仔细地画重点并作很多注解,用她那自由、大而且好认的字迹。她经常用一些画来更清晰地表达一些概念,特别是关于绘画或建筑的构思。她一直认为有必要把文字抽象的东西用形式语汇表达出来。有些学科,如艺术符号学,对她来说过分深奥了,她觉得没意思,因此她不甚关心,也许正是因为她无法将这一学科的内容转换成形象,给予形式和色彩的缘故。

具象诗歌

绘画是她的爱好:在她家里举行的聚会上,在几分钟之内她就可以做好能挂起来的布景,营造出一个特殊的气氛。一系列可追溯到上世纪九十年代的以鞋(获灵感于她自己和别人的鞋子)为主题的画就是她综合能力与表现力相结合的典范。她画的对象从来就不是广义的:《张三的夹趾拖鞋》或《李四的登山鞋》,所有的画都包含和传达使用者的个性。

我感觉对来说根本就不存在抽象,甚至连最普通的语言上约定俗成作为基础的抽象也不存在:就好像在她的脑子里没有一般意义上“苹果”概念的位置,但是只有非常具体的实例,如“某日在某地买来的扁型的斑皮水果”。也许因为这一点,她在很动人的综述性自传中讲道,她过去曾在一段时间画土豆,每个土豆以其独特的形式组成一个独立的世界,形态多变,但是没人注意如此微小的细节,除了她。在看到的东西面前惊讶和激动——清晰或模糊无关紧要——使得马丽亚 · 卡特丽娜能够对她周围的生命感到欣喜,甚至是为组成“她”生命的无数细节而喜悦。

像所有的艺术家一样,马丽亚 · 卡特丽娜不接受每日生活无聊的原样细节:从生活里她只搜集那些可以引她进入完全属于她自己的幻想世界的方面,那个小时候近视眼甚至发着高烧的时候都让她舒服的世界。在细微事物中或在无垠风景里的诗意被她浓缩、被她打乱比例(微小变成巨大,大的变成小的),每一个对象都发自内心地凝聚在准确有力的线条和精心选择的颜色里。我用“发自内心”一词,因为我认为这个词更接近马丽亚 · 卡特丽娜的敏感性、深刻性、复杂性和她感受的直接性。例如,我想到她讲述的在最近的一张画作中用绘画表达“寒冷的草”的感觉所遇到的困难。我想到对水彩在纸上溶化晕染的性感近乎情色的描写,对色调的细心和慎重的探讨,以及当她觉得获得了预期效果时的喜悦。或者对“到处都能买到”普通包装纸的赞美,对她来说包装纸成了丰富、温柔和慷慨的依托材料,正是因为可以任意在光滑或粗糙面中进行选择。

接近

我也想到,像所有的女人——特别是有子女同时又工作的女人一样,马丽亚 · 卡特丽娜能够很协调地处理具体但绝不无聊的内心世界和每天的各种生活负担。这些负担使她放弃了画舞台布景的工作,虽然她在那个工作中享受“用扫帚而不是画笔,用上公斤的颜料而不是筒装颜料作画”作画,“在上面边走边画”的快乐。自从她开始教书以后,这一方面是因为个人兴趣,另一方面是因为她觉得这样可以更好地满足她做母亲的愿望,像千万女士们一样,马丽亚 · 卡特丽娜也牺牲了自己的爱好来迁就家庭事物:素描和绘画很多年一直是在暑假的闲暇时间才能做的事,这成了她沉迷于某处的方式,与丈夫——和后来的儿女们在休假地的自然美和文化美中度过无忧无虑的日子。不用照相机记录,马丽亚 · 卡特丽娜用她习惯的“袖珍小本”来再现她之所见,就像历史上昔日的那些艺术家所做的那样。对原因和进程的描述,马丽亚 · 卡特丽娜直接和简单地表现这一工作进程:“当我看到周围有令我感动的事物和有感觉的地方,就决定开始工作了。我一边画一边呼吸着周围的空气,我记录颜色、光线和气味,这些都有利于以后从容地完成画作。”她的“接近”是一种与周围的感觉和情感的“接近”,是一种热心的关注,这使她感觉与一个风景相协调,与一颗海星相感应(被画完后再扔回海里),在人类的痕迹和自然景观面前叹为观止。在她感到上述那种“激动”的时刻,我认为女画家已经成了被画对象的一部分,迫使她去画它,这样画家和被画对象不可分割,相互渗透。


她多次强调她工作的缓慢,坐下来和从容地感受,让周围的气氛感染她,让我想到“恐慌”的落魄,完全敞开自己让创作的灵感影响。的确,还是在她的短篇自传里我们读到:“当我回家时,再把看到的事物变成具体的绘画感觉好极了。”有意思的是马丽亚 · 卡特丽娜“所看到的”似乎不够“具体”,因此比绘画缺少“实际存在”,但是肯定真实的是“所看到的”在远离它们被画时所在的地点后,获得了实际存在的方式,获得了一个充满个性和它们的创造者情感注入的新生。当马丽亚 · 卡特丽娜谈到在冬季大雾笼罩着艾米利亚平原,和她付出的艰辛来表现她所感受到的各种微妙过渡时,就好像能感觉到她在发抖;那个在博尔塞蒂小村庄“步行”桥上画的大雾比任何大雾都更真实更可触及。

树冠圆满茂盛的栎树,是她儿子焦旺尼喜欢爬上爬下的大树,她无法面对实物作画,因为天冷手马上会冻僵,因此就对照她女儿玛丽安娜拍的一张照片来画。逐渐消失在浓雾里的河堤道路是一张她丈夫斐奥伦佐的摄影。一切都变得私密,一切都在她内心或通过她有了生命,一切都是好感和分享的接近方式。整个世界都是马丽亚 · 卡特丽娜大家庭的组成,每一个她观察过和再现的事物都变成了实际意义上她的再造物。

在画了很多阳光灿烂的夏季之后,在隐蔽的海岸、倒影和艳丽多变的颜色等都被记录在笔记本上,并被很仔细地作为自己存在经历可触摸的痕迹来保存作为回忆的依据之后,今年冬天很多近处的环境和家庭环境也出现在画里。在我的鼓励下,女画家对自己的创作给予了新的时间和新的空间。很多年被限定在每页只有几厘米的“袖珍小本”空间现在扩展为一米半的包装纸的规模。经常去的那些很熟悉的城市,如博洛尼亚和威尼斯,可以让人们更仔细地观察她们,带来令人动心的惊喜,正是因为马丽亚 · 卡特丽娜把她们看作是自己神奇世界的一部分。对我来说,最漂亮的典范之一就是她画的月亮,因其遥不可及,这大概是最难描述的地方,马丽亚 · 卡特丽娜自认为很了解月亮,因为她很多年观察月亮,尽管是在物理上的二维空间里她具体地再现和突显了月亮的神秘。

练就她那如此独特的眼光的可能性和能力不再是“度假者”的特权,而是在完全意义的生活中找到正确的位置。

艺术教学工作

马丽亚 · 卡特丽娜工作的另一个方面是她对教学工作的投入,很多年来她一直教授儿童和不同年龄的孩子们,甚至幼童。在这一领域她的经验也是来自“实践”,日复一日,核实每一个更贴切的教学法为了引起她的学生们的兴趣,让他们接近教学内容、艺术史或是绘画。她向我透露说,很多她的“袖珍小本”上的速写,首先是那些关于建筑和古代文物的,当然不局限于此,都是用来在课堂上再次重画的。她向我讲述说一些专门为孩子们在课堂上画的画能够引起他们的兴趣有助于他们理解画的主题。也许马丽亚 · 卡特丽娜能对每个人所传达的是一种可能性,即从被动的观察者变成创造者的可能性,通过这个过程,一个更加广阔的“外部”世界不再是“无关的”,而是每个个体的组成部分。我也相信(但这完全是个人的感觉)今天的孩子们,经常对很多“可触及的”现实没有直接的认识,这是因为过分的有时甚至是完全的电脑虚拟世界的影响,他们需要被敦促再次获得前辈以更大的投入和更自然的态度所经历的很多经验。

我最喜欢马丽亚 · 卡特丽娜作品的地方是她独特的天赋,即她的作品很谦虚地向我们展示的能在所经历 “现实”的任何方面都注入如此清新、直接和情感的天赋,以至于它们立即成为我们自己的“心灵路径”的组成部分。


2017 年 3 月 8、9 日

祁玉乐 翻译

人与神——曹应斌的水彩画

文/莫妮卡·德玛黛 Vigolo Vattaro

与八年前我们刚认识时相比,我感觉曹应斌的世界观有了很大变化。那年二月我第一次去找他,在郑州一座居民楼第五层的画室里,我面对的是一个不拘礼节的人,有点我行我素,特别注重避免与他个性相违的表现,比如,特别殷勤或尊敬的举止。我当时觉得作为中国人他更像欧洲人,他的作品也一样。那时曹应斌主要在布上作画,用一种对人类最讽刺的世俗方面的分析,以及出世的态度勾画出尘世的特点。感觉他是一个不太动感情的人、保持距离的
人,分离任何可见现实(身体的某些部分,实物,很多衣服,食品等等)并展露其不美的一面,好像在说:这就是我们真实的样子,只不过是解剖局部的总合,人们吃进去上百种的食物,产生出具体的欲望和性关系的结果,等等。那天我很佩服他的聪明和独特性,他微妙的幽默,还有他以表面上“儿童般”不卖弄技巧的绘画方式和勇气,表达事物如此直接。然而他有点冷淡,有点怀疑一切。现在回想起来,也许曹应斌听从(我不知道是自觉还是不自觉地)佛祖对他最初弟子的教训之一,克服和战胜理想化所带来的痛苦:即把每个实体分解成各个组成部分,这样各种感情扩散和理想化被消灭在萌芽状态中。例如,建议一个为女孩而难受的年轻人,想象她老了以后没有任何肉体魅力的模样,这样就能控制激情,而不是被情所摆布,从而达到自由的更高水平。

开放

我感觉在我们互相来往的那些年里,对待人类的可能性曹应斌从不抱幻想,从某种意义上说怀疑的观点转向一种更开放的观点,他对世界和对自己的看法容纳了更高的层面,我姑且称之为“神圣的”层面。我相信这个转变首先是通过内在的探索而获得的,这使他接触自身的过去和不曾了解的各个方面。我坚信我们每个人内心都隐含一个神圣的火花,要靠自己去发现并给予发扬光大的机会,希望它进一步发展。这“一线光芒”并不一定能让我们成为圣人,也不会让我们摆脱人类本质中不太高尚的方面,用尼采的话来说既是“人类的本性‘太人性’化”。我们在本性中各不相同且相互矛盾,需要接受它们的存在,如果把脑袋扎在沙子里视而不见,就无法直面我们的真实面目。我们大脑里的思想和很多不同的冲动,有许多是出生前就已经拥有的基因,如同身体是我们消化的那些东西所决定的,亦有从最“高尚的”到最不“光彩的”卑鄙的冲动,我觉得曹应斌想把这些不加任何评论地放在一起。也许正是因
为他的个性,让他不能容忍现实中的诸多方面,他最近的选择不是对现实不屑或是感觉受到现实的蒙蔽,而只是力所能及地做自身的工作,增加接收现实的能力。我认为他的路径是通过对自己心性的了解和关注然后延伸到他周围的世界。



曹应斌的作品一直让我好奇,包括神像、庙宇、皇陵、宗教仪式,因为我觉得他的意图既不是纯粹纪实,也不是虔诚信仰。几年前,他在意大利的一次画展中展出的都是佛教、庙堂神话中的人物,经过最初的犹豫,我开始对其进行解读评论——那些飞天、菩萨的形象,只不过是人类的最高形象,他们在一幅画作或一个特定情况下存在,让我们记起,也让我们或多或少地再现他们。我感觉曹应斌正在与周围的一切进行着一场广泛的对话,不管是横向的还是纵向的,既用当代的形象(这让他很吃力)和过去已有的存在之间对话。这就是为什么他不断地前往那些古迹丰富和伟大传统文化作品多的地方,特别是在他的祖国。在他的创作中有一个恢复古典文化“高雅”部分的愿望,重新掌握使之生疏的那部分历史,他深知世界上鲜有与这个文化比肩的文化,希望这个文化成为所有人,特别是中国人的一种绝对价值。但他不涉猎博学的知识分子,而是关联与他相关的线索,作为艺术家的成长经验。他与上海的雕塑家、画家和书法家宋海冬结友,比他年长的宋海冬致力于探讨人类与宇宙的关系,无疑给曹应斌提供了一个少有的非常重要的切入点。绘画,还有最近几年常规实践的书法,对曹应斌来说都是关于自己人生意义、关于人降生在某个特定的时间和地点,(根据佛教不仅限于此)甚至是超越生死纬度的深刻内省方式。在小幅水彩画中,有些是在艺术家经常外出游荡时完成的,我们看到很多普通人,他们或成群或单独的与庙宇、石碑、佛造像雕塑、古代壁画(敦煌、玉林、麦积山等)在一起。虽然那些人置身于特殊意义的地方,(如通往大型墓穴的神道)但是他们并不自知,不知道周围笼罩的气氛,不知道它们所代表的象征和意义。在这些场景中经常有一丝怪异的味道,古代的遗迹在涌动的人群中静静地展示着神圣庄严,而那些衣着不得体的人显得有些窘迫,举止也不甚雅观,但是却很真诚地表现出他们的好奇心。他们领会到那些天工之作如此完美珍贵,虽然现在我们拥有很高的科技,却远远达不到古代的精湛技术。有的人把艺术品当作作品来看,而有的人,像曹应斌则沉浸在这些作品中从其内部听取宇宙节奏的回荡,在那个宇宙里人与自然没有分离,而是参与同一个生命的现实。从一定意义上说这些水彩画中古代层面很明显地被当代层面所分隔,古代是不动的,沉默的,有召唤力的,对于今天的人有很大的神秘感,但是两个面貌的共存暗示着很多问题的共存、暗示着生命历程的不断循环。因此就像乔达摩生命中的一个片段 : 一朵花可以升华为过去现在和未来存在的全部象征。



在表现“现世”生活片段的作品中,曹应斌表现出一系列的情感:从背面的自画像向地平线上的远山无限延伸默想,到有限的空间时刻适应环境的演变;从封闭的场所氛围到更加压缩和微小的细节,都体现出强烈的表现性。艺术家喜欢具体的描述,时而插入会心的幽默(如《在澡堂吃鸡蛋的男人们》)使事件表面的荒诞有了充分的理由,因为如果用公平的眼光去看的话,实际上并没有任何事情是荒诞的;时而在画作中表现各种情景,从被驯练捕捉兔子的狗到树枝修剪,从在遥远的青海猎奇寻找虫草,到贴满了最时髦品牌广告的机场里,行色匆匆。似乎也让我们思考今日中国人的丰富生活,在这个国家里共存着旧的习俗和新的可能,但是过去和未来却没有接轨的连续性。

绘画的效果表明画家对学院所传授的一切毫不在意,而更注重完全个性化的随心所欲,竭力表现得没有技巧,这本身就是一个意向声明:想以新的眼光去观察现实,摆脱固有的陈规和技术,描绘使他印象深刻的场景,以一个看似儿童的眼光,努力传达其活泼和自然。这也是因为对他来说艺术家的活动不是“职业”,不是以吸引追捧者为目的,而是不断地审视自己对周围和内心做出的反应。

几次曹应斌画自画像,总是画自己的后背(《远山》、《与鹿相逢》、《在建山院子里画画》),他眼看的是一个充满想象力的现实世界,“现实总是超越想象并且总是比想象更奇妙”(布鲁斯 · 查特温如是说)。在现实里他才有动力作画,因为通过作画他才有了更积极的对现实的关注和参与,绘画是他与这个“现世”达成“和解”的唯一方式。感觉似乎是画家把我们排除在他的视野之外,但是我认为这更像是一个邀请,让我们沉浸在那个超越时间的艺术所属的现实里。

与很多中国人不同的是曹应斌不喜欢热闹、景点和社交。他更想躲进自己的绘画里,毫不掩饰排他世界的愿望,我认为这是出于维护自身和保卫自己的需求,并非出于感情和好奇心的缺乏。反之透过他忧郁的眼睛时常表露出参与的热情,揭示了他内心的丰富和真诚。


2017 年 3 月 12 日

祁玉乐 翻译

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(责任编辑:姜鲁宁)

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