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“图像殿堂”乔治·康多个展

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  • 《戴口罩的父女》 乔治·康多 208.3×203.2×3.5cm 2020年 亚麻布丙烯、颜料棒、金属漆、蜡笔
  • 《困境》 乔治·康多 208.3×203.2×3.5cm 2020年 亚麻布丙烯、颜料棒、金属漆
  • 《A小调布鲁斯》 乔治·康多 203.2×177.8×3.8cm 2021年 亚麻布油彩
  • 《降D调布鲁斯》 乔治·康多 203.2×177.8×3.8cm 2021年 亚麻布油彩
  • 《C大调布鲁斯》 乔治·康多 300.4×266.7×4.4cm 2021年 亚麻布油彩
  • 《造云者》 乔治·康多 66×81.3cm 1984年 布面油彩
  • 《圣露西的愿景》 乔治·康多 223.5×443.2cm 1992–1993年 布面油彩
  • 《交互现实》 乔治·康多 200×149.86cm 1994年 布面油彩
  • 《大红》 乔治·康多 254×212.1×3.2cm 1997年 布面油彩
  • 《图像殿堂》 乔治·康多 127×142.2×3.2cm 2002年 油彩画布
  • 《洋基歌》 乔治·康多 152.4×127cm 2003年 布面油彩
  • 《好时》 乔治·康多 177.8×203.2cm 2003年 布面丙烯
  • 《小比莉》 乔治·康多 127.0×101.6cm 2004年 布面油彩
  • 《罗德里戈的管家》 乔治·康多 71.1×66.0cm 2009年 亚麻布油彩
  • 《小亨利》 乔治·康多 208.3×198.1cm 2019年 亚麻布丙烯、油彩、颜料棒
  • 《非人类》 乔治·康多 208.3×213.4cm 2019年 亚麻布油彩、颜料棒
  • 《戈雅印象1》 乔治·康多 167.6×144.8cm 2016年 亚麻布油彩、颜料棒
  • 《亚特兰大》 乔治·康多 14×14×15.2cm 2002年 铜绿青铜
  • 《特里斯蒂亚》 乔治·康多 22.9×17.8×17.8cm 2002年 青铜镀金
  • 《迷失在时空中》 乔治·康多 289.6×289.6cm 2018年 亚麻布油彩
  • 《移动艺术家》 乔治·康多 195×183cm 1995年 布面油彩
  • 《巨型玩具头》 乔治·康多 300.4×266.7×4.4cm 2021年 亚麻布油彩
  • 《寻找一个世界》 乔治·康多 121.9×101.6cm 2021年 亚麻布油彩
  • 《无题》 乔治·康多 33.7×25.4cm 2006年 纸本炭笔
  • 《无题》 乔治·康多 14.6×11.4cm 2005年 纸本石墨
展览时间:
2021-09-26 - 2021-11-28
展览城市:
上海 - 上海
展览机构:
龙美术馆西岸馆
展览地址:
徐汇区龙腾大道3398号(近瑞宁路)
策 展 人:
马西米里亚诺·吉奥尼
参展人员:
乔治·康多
展览备注:
展览地址:龙美术馆(西岸馆)主展厅
龙美术馆(西岸馆)开放时间
夏令时:4月1日–10月31日
周二至周日 10:00–18:00(17:00停止入场)
冬令时:11月1日–3月31日
周二至周日 10:00–17:30(16:30停止入场)
逢周一闭馆,节假日除外;
每月的第一个周二为公众免费开放日(特展、节假日除外)

展览介绍

2021年9月26至11月28日,龙美术馆(西岸馆)将推出展览“乔治·康多:图像殿堂”,这是乔治·康多在亚洲迄今为止最大规模个展,由马西米里亚诺·吉奥尼担任策展人,并与知名建筑师安娜贝尔·塞多夫合作布展,呈现216件绘画、雕塑及素描作品,聚焦于康多自上世纪七十年代末以来重要的周期创作与作品系列。康多并没有顺应观念艺术的趋势,而是勇敢逆行,成为七十年代以来回归绘画潮流的先锋之一。

本次展览以全新的绘画作品“蓝调绘画”系列为起点,拉开帷幕。在该系列作品中,康多结合自由的笔触和象征符号,重塑了传统的画面语言,灵活运用蓝调与自由爵士等音乐元素来谱写一曲视觉的“哀伤挽歌”。谈到这些作品,康多形容它们为“在新冠疫情时代下被迫适应‘新日常’的无奈与悲叹”。

康多的“蓝调绘画”系列与此次展出的早年重要作品形成了鲜明的对比。过去他热衷于刻画虚构生物、卡通形象、和他标志性的“对跖生物”,他如同传统绘画大师一般一丝不苟地专研这些人物的形态。康多精通传统绘画技巧,却不拘泥于形式,因此在这次展览中观众也可以一睹康多变化多端的风格。他在过去四十年间创作的30多幅人物肖像画以强大的视觉冲击力几乎填满了龙美术馆一整面展墙,琳琅满目,让观众宛如走进巴黎沙龙的会场。康多以敏锐的洞察力和对人物面相的疯狂想象力,创作出一幅幅怪诞角色的肖像画。这些角色不一而同都散发着神秘气息,却又像荒谬的小丑,演绎着一出出悲喜交加的人生戏剧。

在“美国馆”系列中,康多以油画与大型丝网印刷描绘出了美国垃圾食品、B级片电影及电视角色,这些形象往往被康多手绘的角色所覆盖。康多对美国文化刻薄的演绎在“美国馆”中体现无遗,也反映出美术馆在塑造民族认同感与文化自信中所扮演的重要角色。

康多的雕塑作品展现了他对人类心理一贯的探索,并将这个理念延伸到了三维的物理空间,创作时采用了金属浇铸工艺来展现他的传统雕塑技巧。然而,康多具象的创作手法无拘无束,他利用切割法分解阶级性与习俗性的叙事,随心所欲地重塑艺术史与年代学。他内心里未来主义和拟古主义的对峙在“黑色绘画”系列里表现得淋漓尽致。这是一组康多创作于2019年、鲜少被展出的系列作品,描绘了众多生化人和机器人对自身的存在感到疑惑和恐惧,乃至被推至生存的边缘奋力挣扎的景象。

康多与艺术史系统性的对峙同时体现在他的创作媒介与艺术主题两方面,这一对峙也延续到了描绘虚构贵族人物肖像的“新文艺复兴”系列。在这些作品中,康多再次混合了他精湛的作画技艺与反传统的创作手法。

同时展出的还有一系列以2020年悲剧事件为灵感的油画棒作品系列。其中《带着口罩的父女》与《困境》,康多反思了关于孤独、亲密关系、距离等在过去一年半中与我们生活息息相关的各种因素。

除了首次与观众见面的“蓝调绘画”系列作品外,本次展览还将首次呈现康多的全新系列作品“玩具脑袋”。在这个系列中,康多继续探索主观视角的构建与重塑自我的无限可能性。

展览末尾将展出70余件素描作品,其中既有艺术家少年时代创作的草图,也有近年来为创作油画与大型作品而潜心研究时创作的底稿。这些绘画跨越了四十年的岁月,让观众能够以独特的视角一览康多热情洋溢的创作过程。

乔治·康多是当代最知名的画家之一。四十多年来,康多维持着精湛的技艺,历史上任何画派风格他都可以化为己用,由此创造出大量的精彩作品。他广袤的作品中无不充满了对人类心理的疯狂探索,又隐含着被他称作“假冒大师画作”的风格。同时,具象与抽象被编织在符号与象征中,其中的灵感多来自实验性作家与音乐家的作品,从威廉·伯勒斯到约翰·柯川等。

“图像殿堂”是乔治·康多在亚洲迄今为止最大规模个展,由马西米里亚诺·吉奥尼担任策展人,并与知名建筑师安娜贝尔·塞多夫合作布展,集结绘画、雕塑及素描作品,聚焦于康多自上世纪七十年代末以来重要的周期创作与作品系列。康多并没有顺应观念艺术的趋势,而是勇敢逆行,成为七十年代以来回归绘画潮流的先锋之一。

蓝调绘画

乔治·康多特为本次龙美术馆展览创作的全新绘画作品“蓝调绘画”系列,结合了自由的笔触与象征符号,重塑了传统的画面语言,灵活运用蓝调与自由爵士等音乐元素来谱写一曲视觉的“哀伤挽歌”。康多形容它们为“在新冠疫情时代下被迫适应‘新日常’的无奈与悲叹”。

“对我来说,‘蓝调绘画’是融合技法与即兴创作、知识与自由的探索。我认为,作为一名画家,应该尽全力施展所学,以期实现最好的结果。不要责备自己只擅长勾勒线条;不要责备自己只擅长涂抹色彩。不要把技法看作是负面元素,尽管如今的当代艺术崇尚‘去技法’。必须运用毕生所学 摆脱自身的藩篱,如此一来,才可以打破既定的形式。对我来说,绘画是对抗技法的持续挣扎。我运用这些技法,并与之对抗。

身为艺术家要做的事情就是把自己置于某些错误之中,这些错误可能就是全新表达的起点。最难的事情莫过于脱胎换骨。即使没人盯着,也很难放开,很难学习用另一个声音说话。找到自己心中的另一个声音是很难的,但如果找到了,你就成为了陌生的另一个人。对我来说,绘画就是发现自己心中另一个我的过程。”

—— 乔治·康多

沙龙展示

康多精通传统绘画技巧,却不拘泥于形式,这在沙龙展厅得以充分体现。他在过去40年间创作的30多幅人物肖像画以沙龙风格展示,强大的视觉冲击力填满展墙。康多以敏锐的洞察力和对人物面相的疯狂想象力,创作出一幅幅怪诞角色的肖像画。这些角色不一而同都散发着神秘气息,却又像荒谬的小丑,演绎着一出出悲喜交加的人生戏剧。

“我一直对卡通形象非常着迷,不少都是现实对象的拟人化。在我的肖像画中也能看到类似的处理,不过它们都逐渐转化为十分夸张的漫画式形象或者自身的怪诞形式。我把这些拟人化对象重新带入现实世界,也就是说,我让它们生活在现实当中;与此同时,它们依然扮演着原本的角色。这是一种蜕变——正如吉尔·德勒兹所说的那样,想法转化为图像——好比它们以不同身份重新出现在你的世界当中,它们彻底转化了,甚至就此消失。

我曾多次以‘沙龙’形式展示绘画作品,尤其是肖像画,作品从地面悬挂至天花板,覆盖整个墙面。对我来说,这种沙龙展示与转化的概念有关,不是个人的转化,而是展示方式的转化。‘展示’就是表现不一样的自己,扮演新的人物设定,在某种程度上,虚构的人物设定。我的‘沙龙展示’采取了传统形式——在同一面墙上挂满不同艺术家的作品——不过我转化了传统形式,极大地扩充了它。你看到的不是不同画家的作品,而是大量我想象出来的肖像以及变化多端的风格。”

—— 乔治·康多

寓言自画像

在康多的早期作品中,他以传统绘画大师般的严谨刻画虚构生物、卡通形象,以及他标志性的“对跖生物”。这些作品被认为绘画潮流回归的重要例证,定义了1980年代美国与欧洲艺术。时至今日,这些作品颠覆了围绕传统、技艺与创作者身份的普遍观念,戏仿了画家作为孤独天才的神话,模糊了高雅艺术与大众文化之间的人为区分。

“我到纽约的时候,许多艺术家和年轻人聚在一起创造出一波融合了艺术、音乐和朋克文化的风潮,非常特别。我在波士顿加入了一个叫做‘女孩’的乐队。我们接到邀请,南下纽约表演。第一晚开场的就是尚·⽶榭·巴斯奇亚的乐队。在演出之后,我们一起去喝酒。巴斯奇亚带我去了马德俱乐部那一片,带我见识了纽约市中心很酷的一些地方,我们变成了朋友。他告诉我,如果我想成为艺术家,我必须搬来纽约。在那晚之后,我决定离开乐队,搬到纽约生活。当时的纽约是个很不一样的地方:充满无限可能,没人告诉你该做什么不该做什么。就是在这个背景下,我开始在绘画上署名。1984年,一名画商告诉我,‘无论你做什么,都要确保你的名字被人记住。’因此,我开始画自己的名字。你可以把它看作是古典大师的签名,类似巴斯奇亚的‘SAMO’,或者由普桑绘制的如街头艺术家Futura 2000、Toxic或A-One的涂鸦。

1996年,我读到了阿尔道斯·赫胥黎的《天堂与地狱》。他在书里设想了存在于潜意识对跖空间当中的某种‘生物’。它们存在于我们意识中完整的文明里——是一种回归至天使与恶魔原型的人物形态,抑或是博斯的绘画里描绘的生物。于是,我开始思考这些生活在心灵周遭的对跖生物:如果你遇到它们,如果你能深入潜意识真正见到它们,它们会明确地表示并不想让你知道它们的存在。1996年的一个夜晚,我创作了一幅作品——那可能是我第一次感受到对跖生物的存在。我称之为《红色对跖生物》,基于它又衍生出许多类似的生物,慢慢占据了我的绘画。”

—— 乔治·康多

美国馆

在“美国馆”系列中,康多以油画与大型丝网印刷描绘出了美国垃圾食品、B级片电影及电视角色,这些形象往往被康多手绘的角色所覆盖。康多对美国文化刻薄的演绎在“美国馆”中体现无遗,也反映出美术馆在塑造民族认同感与文化自信中所扮演的重要角色。

“‘美国馆’的诞生是我对于外界观点的一种回应,那时乔治·康多以戏仿古典大师而闻名,且这些作品被置于欧洲传统绘画的背景下检视。我想,‘如果我将作品植根于美国传统,戏仿美国艺术,那将如何?’就在那时,我意识到在美国,电视节目和好莱坞电影是传统的守护者。

1996 年,我开始去洛杉矶和纽约的好莱坞纪念品商店,找到了不少我小时候看过的电视节目宣传海报,比如《糊涂侦探》、《贝弗利乡巴佬》、《安迪·格里菲斯秀》、《荒野大镖客》……我会使用这些照片进行剪切,把演员的脸贴在文艺复兴时期的画作上。这些拼贴画随后衍生出大型布面丝网印刷作品。我想使用一种本身是具有综合性的合成媒介,就像它所描绘的角色一样。如果你在美国参观过足够多的博物馆,你迟早会走进美国馆。我的‘美国馆’是我接受自己的文化及其起源的方式——即电视、爵士乐和卡通。”

—— 乔治·康多

人相学研究

康多的雕塑作品展现了他对人类心理一贯的探索,并将这个理念延伸到了物理空间维度。采用青铜与黄金等贵金属浇铸工艺,这些作品立刻使人联想到传统的雕塑技艺。然而,康多具象的创作手法无拘无束,他利用切割法分解阶级性与习俗性的叙事,随心所欲地重塑艺术史与年代学。

“由于我的家族渊源,我多年来避而不做雕塑,家族中有多位雕塑家,包括萨尔瓦托·雷阿尔巴诺与康塞索·巴萨等。他们虽不是贝尼尼,但他们以此为事业,并在意大利艺术史上占有一席之地。所以我想,我宁愿只是画画,对雕塑敬而远之。但突然在 1989 年,我开始研究一些奇怪的组合。我拿了一些椅子和不同的家居用品,比如风扇、电线和其他物件,我把它们组合成看起来像野口型建筑或早期路易丝·布尔乔亚的雕塑。它们非常脆弱,因此我决定把它们转化成青铜的材质。

从一开始,我就认为雕塑是我作品中人物的最后安息之地。雕塑对我而言是我画中构想的人物死去或被纪念的地方。如果你有辉煌的一生,总有一座雕塑在等你。我想,在这些伟大的对跖生物存世一遭之后,应该用纪念雕塑铭记他们。这是让他们安息的一种方式。但他们仍旧经常回来,并过着多重生活。”

—— 乔治·康多

黑色绘画

康多自1980年代开始创作黑色绘画,以对抗当时社会的艾滋病危机与痛失好友尚·米榭·巴斯奇亚和基斯·哈林的哀悼与失落。他在艺术生涯中多次对这些作品重新审视,尤其是2019年他创作的全新系列“黑色绘画”,描绘了众多生化人和机器人对自身的存在感到疑惑和恐惧,乃至被推至生存的边缘奋力挣扎的景象。

“我的第一幅‘黑色绘画’创作于1980年代末,当时我正沉浸于艾滋病危机带来的悲恸中,我痛失了许多好友,比如尚·米榭·巴斯奇亚、基斯·哈林、罗伯特·梅普尔索普等。回顾这一生,我发现自己多次重新审视这组作品。我似乎总在危机时期创作黑色绘画,无论是我个人还是社会集体的危机。我的第二组黑色绘画——‘精神状态’——是在纽约世贸中心倒塌那段时间创作的。

我的最近一组黑色绘画是在疫情之前刚刚完成,那时我经历了非常严重的个人健康恐慌。我不得不去做心脏手术,医生给我看了一张复印的黑白心脏图像,向我解释动脉即将破裂的位置。我保留了那个图像并开始创作一组作品,用刷子的背面在各种黑色区域的纹理中划下几何线条。

这些近期的画作是抽象的、抒情的,但也非常激烈,几乎是残暴的。作品中人物被推到画布的边缘,看似机器人或仿生生物,他们迷失、被遗弃,却有些歇斯底里而又兴奋,白色的线条像电缆或静脉一样从他们的身体延伸出来。画中的人物很复杂,被多个视角撕成碎片——就像每个个体要保持完好无损是不可能的。”

—— 乔治·康多

忧郁的女人

在康多的艺术生涯中,他画了许多哀思女性肖像,捕捉了她们在屈服投降的忧郁时刻。受到从文艺复兴时期场景到毕加索哭泣的女人等世纪传统的启发,康多的肖像画将角色想象成寓言中的平凡人物,陷入日常生活的各种戏剧性场景中。

“这些画是关于孤立和失落的。它们是神秘的,几乎是抽象的,在某种意义上甚至是寓言,但我想给它们一种真实的存在,就像黛安·阿布斯的照片一样。这就是我如何看待像《图像殿堂》这样的画作。女人是一个象征性的化身,但也是一个陷入失落时刻的真实个体。

忧郁症是从约翰·道兰音乐到丢勒再到威廉·莎士比亚等众多文艺复兴作品的中心主题。在十五及十六世纪的许多作品中,忧郁症被拟人化为一位女性:这是一个带有争议性的主题,是丰富的图像学的一部分,也许最早始于文艺复兴时期绘画中许多受难场景里流泪的圣母玛利亚。

有一点我始终觉得很有意思:这一传统在几个世纪之后的美国市郊中回归了。比如约翰·契弗或者理查德·耶茨的作品中描述的那样,或者更晚些的雷蒙德·卡佛的作品,甚至在杰克·凯鲁亚克的的作品中都充满了分崩离析的爱情故事。

也许说起来太自传了,但我自小在母亲那边的一个大家庭长大。她是爱尔兰人,有十二个姐妹,可悲的是,她们一个接一个地病死了。我的童年就在不停地参加葬礼与守灵中度过。某些情感一定渗入了我画中人物的脑海中。”

—— 乔治·康多

祖先

这个展厅的绘画作品来自康多最著名的系列,他将纯粹的绘画技巧运用于描绘自己构想出的一些最狂野的生物。这些作品仿佛置于一座复古未来主义城堡大厅的肖像画廊,描绘出虚构的堕落贵族祖先。

“这些画作是在反足生物绘画开始进入贵族世界的时候诞生的,带着公爵与伯爵的华丽。我把他们当作特为悬挂于城堡与豪宅中所创作的委托肖像,试图达到约书亚·雷诺兹或凡·戴克的技艺,赋予他们所有王权与傲慢。

这些生物从《大红》的生存沼泽进化而来,并以某种方式成为了地主绅士阶级,所以他们既是贵族——像乔瓦尼·巴蒂斯塔·莫罗尼或布龙齐诺那样绘画——也是冒名顶替的骗子。‘马尔堡公爵’是一位老烟枪,而‘微笑的海船长’被他自己的鱼叉刺穿:他们是正儿八经的大人物,但精神错乱、行为疯狂,却意外地令它们的角色鲜活而具说服力。我把这些画作视为家族肖像,当中许多角色很容易赋予其虚构的传记和生活故事——被遗忘的子爵与隐形骑士的冒险。”

—— 乔治·康多

新文艺复兴

康多与艺术史系统性的对峙同时体现在他的创作媒介与艺术主题两方面,这一对峙也延续到了描绘虚构贵族人物肖像的“新文艺复兴”系列。在这些作品中,康多再次融合了他精湛的作画技艺与反传统的创作手法。

“我对艺术史的看法非常开放而又复杂。我认为所有表达语言与时代风格同时存在。在我看来,绘画需要以非线性的方式来理解,不能简单视为线性编年表的一部分,而要将其与错综复杂的衍生体系相联系。每一幅画、画上的每一笔都是与所有绘画、与之前的所有笔触的持续对话,每一件作品都重新激活了成百上千年的艺术史。在艺术中,所有事情都同时发生。今天、三百年前,或者一千年前,对话从来没有停止过。最古老的艺术作品就是最年轻的,因为他们是最早诞生的。”

—— 乔治·康多

油画棒绘画

康多近期的油画棒作品系列中,许多以2020年悲剧事件为灵感的。其中如《戴着口罩的父女》与《困境》,康多反思了关于孤独、亲密关系、距离等在过去一年半中与我们生活息息相关的各种因素。

“在2020年3月疫情封城之初,因为人们无法接触或靠近彼此,我开始创作这些疏离人物绘画。我将他们视为肖像画,是虚构的、被分离的个体肖像。我在创作中运用了各种不同绘画技巧——尽管我试着让作品保持相近的尺寸,带有延续性和统一感——展现出当今社会的断裂面。

这些画作是由 2020 年美国的大动荡构思而来,其中包括新冠疫情、乔治·弗洛伊德死于警察暴力执法,以及唐纳德·特朗普的愈发疯狂。它们是被可怕的分裂氛围所击溃的破碎个人肖像。尽管色彩明亮、笔触夸张,依然抹不去作品忧郁的氛围。它们是关于美国历史上这个特定时刻,我们在疫情危机与残酷的政治格局中所经历的混沌。”

—— 乔治·康多

玩具脑袋

在全新系列“玩具脑袋”中,康多继续探索主观视角的构建与重塑自我的无限可能性。

“‘玩具脑袋’就像在玩具店购买的模型战舰,是被一块一块组装出来的。但是‘玩具脑袋’并没有装配说明书。我并不从素描稿开始创作这个系列的作品,而是直接走到画布前,从一个具体的三维形状开始,然后在它的周围或边上添加另一个形状,背后再画上一个。这个结构不断增长,我再用其他形状作为支架来支撑。它们是极具雕塑感的画作。

对我来说,这些作品的特别之处在于从无到有的过程,将一些以前从未存在过的东西进行组装,我试图赋予它如实物般的重力感,甚至是真实主体的存在感。我将它们视为可以与之产生联系的外星生物。它们是可关联的机器,可以执行人类流程与活动。最终,它们与具有人类特征的机械生物相比,它们更不像是玩具。我猜他们也许就是未来。”

—— 乔治·康多

素描陈列室

在康多的艺术生涯中,素描一直保持着重要的位置。该陈列室呈现了70余件康多的纸上作品,涵盖了艺术家青少年时期起创作的素描,肖像,以及近年来为创作油画与大型作品而潜心研究时创作的底稿。这些绘画跨越了四十年的岁月,让观众能够以独特的视角一览康多精力充沛的创作过程。

“素描是自成一体的:即私密,又无所遮蔽。我一直在画素描。有时我会为一幅绘画做前期准备,研究一个姿势或构图。其他时候我用素描来释放我脑海中的东西。我一直在画画。年少的时候,我记得我将画塞满抽屉,这样就没人能看到它们。

素描也是绘画不可或缺的一部分,伟大的画家通常也都是厉害的绘图者。我不只是想到那些古典大师,像尚·⽶榭·巴斯奇亚这样的艺术家亦然。我在1985年看过他作画——他那时候在我的公寓里画了一些素描——我还记得当时他画得非常用力,简直像是刻下每一道线条。他让我明白,素描既可以有力,又可以优雅,每一个印记都将永远留下,这是你必须信奉的责任。

你看塞尚、毕加索,或是更早之前鲁本斯与布歇的作品,你会想,‘这些艺术家是怎么抽出时间创作这些素描的?他们为什么要画这些?’我认为,归根结底他们是在试图改进线条的画法,毕竟那是最后留在画作中的东西。时至今日,你看布歇的素描,那些模特都已不在,那些裸露的身体都已被埋葬,画中的主人公已不在人世,但那些线条依然存在。素描是关于线条的存留;最终得以留下的是线条,而不是画中人。”

—— 乔治·康多

关于艺术家

康多1957年生于美国新罕布什尔,1979年移居纽约,迅速成为东村艺术界举足轻重的人物。彼时新浪潮音乐、涂鸦艺术、挪用创作兴起,重新定义了此后多年纽约的创意版图。

到了八十年代初期,康多的绘画手法将立体主义、超现实主义与其它二十世纪先锋运动艺术风格相结合,如卡通形象与世俗图像,创造出一种全新的表达方式,康多称之为“人造现实主义”。

康多与艺术史系统性的对峙同时反映在他的创作媒介与艺术主题两方面,这在此次“图像殿堂”展览中贯穿其艺术生涯的绘画、雕塑及素描作品中得以体现,包括在新冠疫情后特为本展创作的全新绘画作品“蓝调绘画”系列。这些新作与人物绘画及肖像一同展示,充分体现了康多精湛的传统绘画技巧与反传统的创作手法。展览标题取⾃康多2002 年的⼀幅画作,整个展览将成为⼀座展示虚构肖像的殿堂:想象中的远古祖先与虚构的堕落贵族肖像,悬挂在⻰美术馆(⻄岸馆)主展厅洞⽳般的空间内,宛如⼀座腐朽的未来主义城堡⼤厅。

四十多年来,康多维持着精湛的技艺,历史上任何画派风格他都可以化为己用、驾轻就熟,由此创造出大量的精彩作品。他广袤的作品中无不充满了对人类心理的疯狂探索,又隐含着被他称作“假冒大师画作”的风格。同时,具象与抽象被编织在符号与象征中,其中的灵感多来自实验性作家与音乐家的作品。

乔治·康多的过往个展与群展遍布全球,并多次参与美国乃至世界各地的双年展,包括2019年和2013年的威尼斯双年展、2015年第13届里昂双年展、2014年第10届光州双年展、2010和1987年的惠特尼双年展,以及2005年华盛顿特区的第48届科克伦双年展。

康多的作品被全球知名公共收藏所收录,其中包括:加拿大多伦多安大略艺术画廊、挪威阿斯楚普·费恩利现代艺术博物馆、法国巴黎蓬皮杜中心、希腊雅典达吉斯·约安诺/戴思特基金会、西班牙巴塞罗那当代艺术博物馆、德国法兰克福施泰德博物馆、英国伦敦泰特现代美术馆、美国洛杉矶布洛德博物馆收藏、美国纽约大都会艺术博物馆、美国纽约现代艺术博物馆、美国华盛顿特区国家美术馆、美国纽约古根海姆美术馆、美国纽约惠特尼美术馆。

关于策展人

马西米利亚诺·吉奥尼于新美术馆任职艾德里斯·尼森艺术总监,兼任米兰楚萨迪基金会总监。他策划过许多国际展览与双年展,包括第55届威尼斯双年展(2013)、第8届光州双年展(2010)、第1届新美术馆三年展(与劳伦·康奈尔、劳拉·霍普特曼共同策划,2009)、第4届柏林双年展(与毛里西奥·卡泰兰、阿里·萨伯特尼克共同策划,2006),以及“宣言展5”(与玛塔·库兹玛共同策划,2004)。

近年来,他在新美术馆策划的艺术家展览包括约翰·阿科姆弗拉、埃德·阿特金斯、琳达·本格里斯、 妮可·埃森曼、莎拉·卢卡斯、玛塔·米努金、克里斯·奥菲利、卡罗尔·拉玛、皮皮洛蒂·瑞斯特、安利·萨拉、彼得·索尔、纳里·沃德等。2021年,吉奥尼参与了已故艺术家奥奎·恩威佐展览“悲伤与愤懑:美国的艺术和哀悼”的策展委员会,展览最初的构想就来自恩威佐本人。委员会成员还包括了娜奥美·贝克威思、格伦·利根与马克·纳什。2019年,吉奥尼策划了新美术馆与华盛顿特区菲利普斯收藏的合作展览“他乡暖阳:全球性的流离失所”。他还策划了墨西哥城尤麦克斯博物馆的展览“剥离的表象:杜尚与杰夫·昆斯作品中的欲与物”,这是首个将杜尚与杰夫·昆斯的作品进行对话的展览——展览观众超过50万人,是该博物馆历史上最多访客的展览。

2021年6月,他为达吉斯·约安诺/戴思特基金会在希腊海德拉的“屠宰房”空间组织了“希腊的馈赠”展览。目前他正策划杰夫·昆斯的大型个展“迷失美国”,展览将于2021年11月在卡塔尔多哈开幕。

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(责任编辑:孙卉)

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